爬坡人心语——刘德海琵琶文集《琴海游思》品读拾零（14）

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本篇可视作编者阅读刘德海琵琶文集《琴海游思》的读书笔记，将分为多期发布。此为第14期。
本篇于《琴海游思》文集的全部六十篇文章中挑选了五十余篇，整理摘录了二百五十多个段落（内容合并摘录的段落计为一段），并对其中一百八十余个段落进行了解读，其余段落被引用于解读文字中。本篇的棕色字体为原文选辑内容，黑色字体为编者品读内容，括弧中的内容除所选各段末尾页码标注和特别说明外，均为原文。

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2023-6-27 11:57

刘德海丙申年（2016年）青岛留影


《博爱•故事•语言（口述文）》


故事从1961年说起。那年上海召开全国第一届琵琶教材会议，期间向崇明派瀛洲古调传人殷荣珠女士学得“古调”三首。小曲玲珑精巧之美，拨动我的童心情趣。从此，古调的祖师为琵琶人埋下一颗童心的种子，几十年来这颗种子不断在发酵之中。……从“古典时代”带向“儿童时代”，音乐语言得到升华。（第254页）
刘德海在同篇《博爱•故事•语言（口述文）》中介绍说：“二十世纪九十年代，相继创作《滴水观音》《喜庆罗汉》《晚霞情趣》《白马驮经》等属于我个人精神世界的‘佛曲’，这些‘佛曲’竟与儿童音乐相似乃尔。” （第254页）其实佛心也好，童心也罢，体现的都是“真”心，这意味着刘德海从“遍尝梨子”的创新，到“新古典风格”的守正之后，已开始进入了返璞归“真”的新境界。


何为经典？我曾口头解答：百听不厌，平扶心灵。经典《十面埋伏》百听不厌，但不能天天弹。阿炳《二泉映月》（简称《二泉》）可以每天听，听而不厌，这是为什么？……小泽征尔说，听这样的音乐（《二泉》）应该跪着听。……一首出自民间音乐家的《二泉》，如今成为世界共享之乐，这一现象给我们留下一个《二泉》之谜。……《二泉》音律在神性与世俗二维空间里自由游荡，山水得到升华。从此，《二泉》有了两个月亮，《二泉》更明亮了，阿炳笑了，小泽征尔跪听《二泉》之谜解开了。（第256-258页）
民间的阿炳长年受民间音乐和道教音乐的熏陶，具备了“神性与世俗的二维空间”也是顺理成章。明明是平稳进行的民间音调，随心所欲地就来个八度大跳，还能轻飘飘地“平稳落地”；明明是一遍遍不厌其烦“神神叨叨”的变奏，却让人欲罢不能，总想看他用什么“法道”来一次次地“峰回路转”。阿炳在民间和“道”上“行弦”可以说是自由来往，正所谓“道可道，非常道”。《二泉》一曲“模糊的音乐语言”如同“咒语”，令世人“魂不守舍”因而能百听不厌。


2002年，我在乡愁梦中，自编一封“阿炳来信”。如下：
阿海：
你比我强。你有最高乐府毕业文凭，听说还拿衙门每月一百大洋津贴。你和你众多“王子”“公主”们住洋楼、吃大菜，使用的乐器都是高档红木琴。今非昔比，你我两重天。
大墙外的我，唯一感到骄傲的是比起你们，更接近山、接近水、接近百姓，山、水、百姓，就是我的二胡老师，是他们教我如何拉琴的。
百姓苦，我也苦，但山和水不苦啊，我怎么忍心再用苦的音乐加重百姓的痛苦？我用对江南山山水水的情感拉奏《二泉映月》，让百姓听了我的琴声能得到一点宽慰，同时对自己也是一种解脱。
“每个音符充满苦、恨”，这是强加给我的难以接受的标签。
我喝进去的是苦水，弦上流淌出来的是清泉。心中苦苦，弦上甜甜。
这些话放在心里头已经五十多年了，请你把我这一番话转告给大墙内全体“王子”“公主”们，好吗？
    祝
    快乐
                                              阿炳
                                                                                       2002年7月7日（第257页）
刘德海自编的这封阿炳来信，就人们对《二泉映月》情感表达的一般认知而言无疑是“颠覆性”的。像苦恨标签，不该强加；你我都苦，山水不苦；喝尽苦水，弦流清泉；宽慰百姓，自我解脱；学习音乐，乐山乐水……都是刘德海对阿炳和《二泉》“全新”的解读。也许是同处南方的人文水土，生成的“三观”和秉性趋同，因而在相同的社会历史背景下“读心”会更为准确。阿炳和《二泉》曾被誉为“中国的贝多芬！中国的《命运》！”二者自“入世”后的形象一直是苦恨交加，最多加上一句“憧憬未来”，读了刘德海的“阿炳来信”或觉“醍醐灌顶”。退而言之，即使阿炳所想不似文中那么“悲天悯人”，也或许会有南方俗语“穷人穷开心”的心态，可以支持和诠释《二泉》“化苦为甜”的真情流露。


琵琶大珠小珠落玉盘，都是单珠落盘，玉珠已经孤独了上千年。何时双珠、多珠一起同时落盘？双珠相互倾诉对话的复调音乐又在哪里？
2018年，琵琶与巴赫紧紧拥抱起来，这是琵琶的命运使然。《55”无穷动》，用右手四个手指和声性快速弹挑及三指轮的分解和弦，达到理性的狂张和聚合性活力。（第259页）
复调音乐需要两个以上（含两个）独立的旋律线通过“技术处理”和谐地结合于作品中，巴赫是复调音乐的代表性人物之一。“琵琶人”在琵琶上演绎复调音乐，相比以往驾轻就熟的、旋律与伴奏主次分明的主调音乐，难度自然增加了不少，或许可以从键盘上学弹“巴赫”开始着手，以便参悟复调音乐的精神所在。


作为高等乐府琵琶教师，传统经典，民间音乐代表曲如何进行二度创作是最吃重的功课。
以“琵琶十三大套”为例，把原版弹得一模一样，做“克隆”人行否？将原版变动，变多、变少、变新、变得走样，如何变才合理？这些难题困扰多年，到了晚年才有所觉悟。传统音乐是流动的艺术，并非固体文物，文物修旧如旧，传统音乐弹旧如旧，其旧，亦旧亦新。旧在风格不变，新在流向当下与未来的语言设计。……传承过程是与先辈情的对话过程……一说，先辈已经说出的话；不走样；二说，先辈想说而没有说完的话，后者锦上添花；三说，先辈没有想到而应该说的话，谨防画蛇添足。“三说法”为二度创作打开一扇方便之门。二度创作包括：作品解读、结构设计、技术配置、艺术处理四个部分。（第264页）
演绎传统音乐重在演绎之前的解读和消化。各类传统音乐在形成和发展的彼时，大多会经历嬗变萌芽、流行量变、创新质变、并存过渡、大成阶段等逐步发展的不同时期，作品从粗坯到经典具在其中。今人在演绎之时，应对被演绎对象仔细进行“发展过程之阶段性定位”的评估，而后在二度创作中确定或是“克隆经典”，或是“修造粗坯”等创作思想。演绎过程中值得注意的是，找准和抓住传统音乐作品的“本真”神韵所在，而非放大或死抠细枝末节，古人弄乐想必也是兴之所至即可，未必每回分毫不差。而要弄清何为神韵、何为枝节并非易事，需要相当的文化积淀及其深度的比较研判能力。有些通过“二度创作”甚至已成为流派代表作的传统作品演绎，或许也难免有“舍本求末”之嫌。另外，今人演绎传统音乐的难度，还在于将原作的时代风韵与现时审美有机融合，把握好“不走样”和“锦上添花”的度，方能不着痕迹。还有就是基于不同的生活背景和人文境界，每个人对传统音乐作品的解读不尽相同，即使同一部传统音乐作品演绎出不同的“风采”，也可以平和看待——只要传统音乐的韵味之“魂”还在，当可“美美与共”。


苦闷一问：十八至十九世纪，欧洲听众尽情享受音乐大师经典交响乐。交响音乐满满记录现代性的宣言：彰显人生价值、生命张力，激发生活欲望和远大理想。同一时期，生活在大清帝国的中国百姓在听什么样的音乐？
自二十世纪中国传统音乐百年以来，仍然处于修身养性生活法则的个体性传承发展。中国传统音乐何时能有群体性的交响文化产生？
中国以“和”为核心的哲学思想，已为传统音乐交响文化提供价值理性的支撑。中国是弹拨乐器大国，音乐具有中外审美双重基因。技术之丰厚、音响变幅之大、阳刚张力的时空性渗透、阴柔神妙的宗教性内敛，论整体艺术感染力堪称世界弹拨之最。……某外国音乐家听了这首中国式的《柔板》（高为杰移植编配的美国作曲家巴伯1936年原创的弦乐四重奏第二乐章《柔板》——编者据同文所述而注），称赞它为“世界第三版本”。京城专家惊呼：“看到了新的曙光”。
中国传统音乐交响化的希望，可以在弹拨乐园地开花结果，可惜“新的曙光”已经熄灭了！（第270-271页）
就中国传统音乐活动中的“和”而言，三五知音抚琴雅集，讲的是“人和”；旋律音韵张弛有度，讲的是“乐和”。唯独在自然经济状态下，一定程度上“多源发展、自由生长”的传统乐器，有不少彰显的是充满个性化的“各美其美”，难言“器和”。
传统的、多样化的弹拨乐倒是在世界乐坛独树一帜，堪称“中国特色”。早先上海民族乐团的弹拨乐组合，曾以靓丽的音效色彩和独特韵味享誉乐坛。后期多地的阮乐团更以多声部系列阮的“家族式”组合，尽显和谐融洽的交响之美。这些弹拨乐组合本是一条从传统之“和”走向现代“交响”的明智而可行之路，可惜如刘德海文中所言，“新的曙光”已经熄灭了。究其原因，或许是“弹拨乐交响”的“烛光”经不住市场的“炫”风，也或许是因为“昙花一现”之故，市场未及发现这点点的“烛光”，原本是可以照亮未来中国交响音乐舞台的一簇“星光”。

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刘德海文集《琴海游思》封面



（未完待续）